Lidia, la "misteriosa alguien" del Barroco

Hay preguntas que parecen muy sencillas hasta que uno intenta responderlas. ¿Quién era Lidia? La encontramos una y otra vez en la música del Renacimiento y del Barroco. Monteverdi la menciona en sus madrigales, Barbara Strozzi la hace protagonista de una de sus cantatas más conmovedoras, Heinrich Schütz la incorpora a su producción italiana y otros tantos compositores vuelven sobre ella como si todos hubieran conocido a la misma mujer. La primera reacción es inevitable: intentar descubrir su identidad. ¿Fue una amante? ¿Una musa? ¿Una figura histórica cuya memoria se perdió con el paso de los siglos?

Sin embargo, esa pregunta, tan natural para un lector del siglo XXI, probablemente hubiese desconcertado a un poeta o a un músico del siglo XVII. La razón es sencilla: para ellos, Lidia no era necesariamente una persona concreta. Era, sobre todo, un nombre cargado de significado. Un personaje literario perteneciente a un repertorio de figuras heredadas de la Antigüedad clásica y de la tradición pastoril renacentista, un universo simbólico que todos los lectores de la época compartían y comprendían sin necesidad de explicaciones.

¿Y qué evocaba exactamente ese nombre? No existía una definición única ni un significado equivalente al de una palabra del diccionario. Lidia pertenecía a un repertorio de personajes heredados de la poesía clásica, especialmente de Horacio, que el Renacimiento recuperó y el Barroco convirtió en parte de su propio lenguaje. Al aparecer en un poema, el nombre convocaba inmediatamente el universo de la poesía amorosa: la belleza, el deseo, la indiferencia, el rechazo, la seducción, los celos, la ausencia o el sufrimiento del amante. No era tanto una mujer determinada como una función poética: la bella huidiza, la mujer deseada convertida en objeto de deseo y sufrimiento. Del mismo modo que un pastor no era necesariamente un verdadero pastor ni un bosque describía un lugar concreto, Lidia tampoco pretendía señalar a una persona histórica. Era una figura literaria, reconocible para cualquier lector culto de la época, cuya sola aparición situaba el poema dentro de un determinado código estético y emocional.

Este fenómeno pone de manifiesto un problema mucho más amplio, que afecta a nuestra manera de acercarnos a la música antigua. Con frecuencia creemos que comprender un texto consiste únicamente en entender el idioma en el que fue escrito. Si una cantata está en italiano, traducimos el italiano; si el texto está en castellano, pensamos que basta con leerlo. Sin embargo, la verdadera dificultad muchas veces no reside en la lengua, sino en el mundo cultural al que esa lengua pertenece. Las palabras sobreviven durante siglos, pero los códigos que les daban sentido pueden desaparecer casi por completo.

Un ejemplo contemporáneo ayuda a comprenderlo. En Argentina y Uruguay, decir que algo es "trucho" significa que es falso, apócrifo o de dudosa procedencia. Para quienes compartimos ese contexto cultural, la palabra resulta completamente transparente. Pero alguien ajeno a esa variedad del español podría asociarla únicamente con el pez llamado trucha y perder por completo el sentido de la frase. Lo mismo ocurrirá, probablemente, dentro de algunos siglos con muchas expresiones actuales. Tal vez un lector del futuro interprete que una noticia "viral" hablaba de una enfermedad y no de un fenómeno de las redes sociales. Las palabras seguirán existiendo, pero el significado que nosotros damos por evidente habrá desaparecido.

Eso mismo sucede cuando abrimos un libro de poesía renacentista o una colección de cantatas barrocas. No hemos perdido el italiano, ni el castellano. Lo que hemos perdido, en muchos casos, es el código cultural que permitía interpretar correctamente determinadas imágenes, determinados símbolos y determinados nombres. Por esa razón, una palabra tan sencilla como el nombre "Lidia" puede convertirse en la puerta de entrada a un universo completamente distinto del nuestro.

Pero Lidia no estaba sola. La literatura pastoril y amorosa de los siglos XVI y XVII está poblada por un conjunto de nombres que reaparecen constantemente: Amarilli, Clori, Filli, Licori, Silvia y tantos otros. Ninguno de ellos pretendía identificar necesariamente a una persona histórica. Eran máscaras literarias, personajes convencionales que condensaban determinadas ideas, afectos y situaciones poéticas. Funcionaban como un lenguaje compartido que permitía a escritores, músicos y lectores reconocerse dentro de una misma tradición cultural que atravesaba países, idiomas y generaciones.

Quizá esto no resulte tan extraño si pensamos en nuestro propio tiempo. También nosotros utilizamos nombres que han dejado de referirse únicamente a personas para convertirse en símbolos. Cuando alguien habla de un "Don Juan", nadie piensa en un hombre concreto llamado Juan; entendemos inmediatamente que se está aludiendo a un seductor. Del mismo modo, expresiones nacidas en internet o en la cultura popular terminan adquiriendo significados que solo resultan evidentes para quienes participan de ese mismo universo cultural. Toda época construye sus propios códigos. Toda comunidad crea sus propios nombres cargados de sentido.

El nuevo episodio del podcast está dedicado precisamente a explorar esa idea. A partir de una pregunta tan sencilla como "¿quién era Lidia?", propongo un recorrido por la poesía, la música y la cultura del Renacimiento y del Barroco para descubrir que, muchas veces, entender un texto antiguo exige algo más que conocer su idioma. Exige recuperar, aunque sea por un momento, el mundo que le daba significado.

Quizá la próxima vez que encontremos a Lidia en un madrigal de Monteverdi o en una cantata de Barbara Strozzi dejemos de preguntarnos si existió realmente. Tal vez comprendamos que la verdadera protagonista no era una mujer concreta, sino un lenguaje poético que durante siglos fue perfectamente transparente y que hoy debemos aprender a leer nuevamente. Y es precisamente ese pequeño cambio de perspectiva el que puede transformar por completo nuestra manera de escuchar la música antigua.

El falso Vivaldi | Emosido engañado

Subí un nuevo episodio de mi podcast Disfrutar MÁS de la Música Antigua, y esta vez los invito a que nos metamos en una maravillosa historia de plagios de la música antigua.

Durante más de dos siglos y medio, Il Pastor Fido fue considerado el Opus 13 de Antonio Vivaldi. Se interpretó, se estudió y se grabó como una obra auténtica del compositor veneciano. Sin embargo, un
documento hallado en 1990 cambió por completo la historia y reveló uno de los episodios más sorprendentes del mundo editorial barroco.

En este episodio seguimos las pistas de ese misterio: un compositor oculto, un editor dispuesto a prestar su nombre, la moda de la musette en la Francia del siglo XVIII y una falsificación tan bien construida que engañó a generaciones enteras de músicos y musicólogos.

Si les gustan las historias en las que la investigación histórica se mezcla con la música, el arte y el suspenso, creo que este episodio les puede sorprender. Los invito a escucharlo y, como siempre, a compartirlo con quienes disfrutan descubriendo que detrás de muchas partituras hay historias tan apasionantes como la propia música.

Hay cursos que nacen de una convicción profunda. Este es uno de ellos. Del 16 al 18 de julio voy a estar en Córdoba dictando el curso El sonido y el rito (la música sacra en el sistema litúrgico del Barroco), invitado por Barroca Córdoba Coral.

Desde hace muchos años me interesa insistir en una idea: la música sacra barroca sólo revela toda su riqueza cuando deja de verse como un repertorio de concierto y vuelve a ocupar el lugar para el que fue creada. Comprender ese universo transforma por completo nuestra manera de escucharla, estudiarla e interpretarla.

Durante tres encuentros vamos a reconstruir ese mundo: el calendario litúrgico, la Misa, las Vísperas, los distintos géneros de la música sacra, la retórica musical, el vínculo entre texto y sonido, la arquitectura, la acústica y las funciones concretas que cumplía cada obra. Este no es un curso de formación pastoral ni de teología, sino un espacio de estudio dedicado a comprender cómo funcionaba el sistema litúrgico del Barroco y de qué manera ese contexto da sentido a las obras que hoy interpretamos en escenarios y salas de concierto. Mi intención es que cada participante vuelva a abrir una partitura sacra del barroco con una mirada completamente distinta.

Me hace muchísima ilusión regresar a Córdoba para compartir estas jornadas de trabajo con directores, cantantes, instrumentistas, investigadores y todos los que sienten curiosidad por este repertorio extraordinario. Estoy convencido de que comprender el contexto histórico y litúrgico no limita la interpretación: al contrario, la vuelve mucho más libre, consciente y expresiva. Ojalá podamos encontrarnos allí para pensar, escuchar y redescubrir juntos una de las tradiciones musicales más fascinantes de Occidente.

A continuación les dejo todos los datos, ojalá que nos encontremos ahí!

…………

El sonido y el rito

La música sacra en el sistema litúrgico del Barroco
un curso destinado a músicos, coreutas, directores, estudiantes y amantes de la música antigua.

📍 Music Loft (Soldado Ruiz 1141, Córdoba)
🗓 16, 17 y 18 de julio, de 13 a 16
🕐 De 13 a 16 hs

Valor del curso: $60000 (20% de descuento para socios de la Asociación de Directores de Coro de la República Argentina)

+ Consultas: barrocacordobacoral@gmail.com | 3515382266

📩 ¿Querés inscribirte? Hacé Click aquí

Nuevo episodio del podcast: Monteverdi, la policía y la IA

 

La semana pasada fue el cumpleaños de Claudio Monteverdi, y eso terminó llevándome a un lugar inesperado: una banda de policía argentina, Giovanni Artusi, la inteligencia artificial, óperas perdidas y la extraña sensación de que Monteverdi sigue siendo un compositor del futuro.

Subí hoy un nuevo episodio de mi podcast, que parte de una pregunta aparentemente simple: ¿qué queda hoy de Monteverdi? La respuesta inmediata parece clara. Quedan los libros de madrigales, las Vísperas, la Selva morale e spirituale y las tres óperas conservadas —L’Orfeo, Il ritorno d’Ulisse in patria y L’incoronazione di Poppea—. Pero rápidamente aparece otra idea más inquietante: también quedan todas las formas en que su música fue reconstruida, adaptada, reinterpretada y administrada durante cuatro siglos.

En el episodio aparece una anécdota fascinante y extrañísima: Monteverdi tocado por una banda policial. Oboes y trompetas, monumentalidad estatal. No es simplemente una rareza histórica ni una curiosidad kitsch. Es la prueba de que cada época vuelve a fabricar a “su” Monteverdi. La banda no destruye la música: la traduce a otro sistema sonoro, a otra idea de patrimonio, a otra lógica del poder cultural.

Y ahí surge una figura clave: Giovanni Artusi, el célebre crítico que atacó a Monteverdi por sus disonancias y excesos expresivos. En cierto sentido, Artusi funcionó como una especie de “policía del estilo”: alguien que intenta defender un orden moral del sonido frente a una música que empezaba a romper las reglas. La conexión tiene algo casi borgiano: Monteverdi perseguido por la policía de la composición… termina siglos después tocado por una banda de policía.

Pero el episodio no se queda en la historia. También entra en un terreno completamente contemporáneo: la inteligencia artificial musical. Después de experimentar con Suno y otras herramientas generativas aparece una pregunta inevitable: ¿por qué la IA puede sonar “barroca” y aun así no sonar realmente monteverdiana?

La respuesta tiene menos que ver con la armonía que con la inteligencia dramática. Monteverdi no usa la música como decoración del texto: piensa cada palabra, cada tensión, cada giro emocional en tiempo real. En sus madrigales, una sola palabra puede reorganizar toda la sintaxis afectiva de la música. La IA puede imitar superficies —gestos, cadencias, colores—, pero todavía parece incapaz de producir necesidad expresiva (todavía…).

Y entonces aparece el vértigo más interesante de todos: las óperas perdidas. ¿Qué ocurriría si entrenáramos una IA con toda la obra conservada de Monteverdi y le diéramos los libretos de las óperas desaparecidas? ¿Sería una reconstrucción legítima? ¿Una restauración? ¿O simplemente una ficción estadística con máscara histórica?

Tal vez lo más hermoso sea que Monteverdi mismo fue acusado de destruir la tradición. Hoy es la tradición. Cuatro siglos después, seguimos sin poder decidir si su música pertenece definitivamente al pasado… o si todavía sigue esperando en el futuro.

Los invito a escuchar el episodio, bienvenidos!

Handel, de Westminster a la Champions

Hoy subí un nuevo episodio a mi podcast. Y es uno de esos que me acompañaron durante varios días, mientras lo pensaba y preparaba, mientras indagaba en la historia, el rito, el poder y la memoria sonora.

El programa está dedicado a los Coronation Anthems de Georg Friedrich Händel, escritos en 1727 para la coronación de Jorge II en la Abadía de Westminster. Cuatro piezas —Zadok the Priest, Let Thy Hand Be Strengthened, The King Shall Rejoice y My Heart Is Inditing— concebidas para un momento muy preciso: la unción, el reconocimiento, la coronación y la entronización de la reina.

Pero ¿qué es exactamente un anthem? En la tradición anglicana, el anthem es una forma coral en lengua inglesa que cumple una función litúrgica. No es ópera, no es oratorio, no es música “de concierto” en el sentido moderno. Es música ritual. Música que sucede dentro de una ceremonia y que tiene una función simbólica concreta.

En 1727, Händel —alemán de nacimiento, recientemente naturalizado británico— recibió el encargo de poner música a una monarquía que necesitaba afirmarse cuando él también necesitaba hacerlo. Y lo hizo con una inteligencia teatral extraordinaria: masas corales imponentes, trompetas y timbales, crescendos calculados para producir impacto físico. No compuso simplemente música bella; compuso arquitectura sonora para sostener un acto político y sagrado.

Desde entonces, especialmente Zadok the Priest, no ha dejado de sonar en cada coronación británica. Tres siglos de continuidad. La misma música, el mismo gesto, el mismo estremecimiento colectivo.

En el episodio cuento cómo nacen estas obras, cómo funcionan musicalmente, de dónde provienen sus textos bíblicos y por qué siguen teniendo hoy una potencia casi intacta. También exploro ese cruce inesperado entre rito y cultura de masas que aparece cuando esa sonoridad reaparece, transformada, en otros contextos contemporáneos.

El podcast está por llegar al episodio 100. Me emociona escribirlo. Es un proyecto al que le pongo mucho corazón: horas de lectura, escucha, escritura, grabación, edición. Pero sobre todo, una forma de pensar en voz alta y compartir música con ustedes.

Ojalá lo disfruten tanto como yo disfruté prepararlo.

Bianca Maria Meda: tejiendo redes desde el claustro

 

En este nuevo episodio de mi podcast Disfrutar MÁS de la música antigua / Mundo Monja me adentro en la vida y la obra de Bianca Maria Meda, monja benedictina y compositora del siglo XVII, activa entre Milán y Pavía, autora de una única colección de motetes publicada en 1691. A partir de su historia, reconstruyo el entramado de redes familiares, religiosas, editoriales y políticas que hicieron posible que una mujer en clausura pudiera componer y publicar música en el siglo XVII. Hablamos del rol decisivo de su mecenas Cesare Pagani, del funcionamiento real de las dedicatorias, del alto nivel musical de los conventos femeninos y de una escritura intensa, técnicamente exigente y profundamente personal, donde fe, estrategia, poder y creación se entrelazan en silencio. Bianca Maria Meda no fue una excepción aislada: fue parte de un sistema complejo de mujeres que supieron moverse dentro de sus límites para hacerse escuchar.

En el episodio escuchamos interpretaciones de Cappella Artemisia y Seraphic Fire, recorremos el universo sonoro de sus motetes y nos acercamos a una espiritualidad hecha de emoción, disciplina y belleza. Es una invitación a descubrir a una compositora extraordinaria, a mirar de otro modo el barroco femenino y a dejarse llevar por un multiverso de voces que siguen resonando hoy.

Mi calendario de Adviento, todos los días en YouTube

¡Qué difícil me resulta mantener todo actualizado!!! Subir un video, anunciarlo en Twitter, y en Instagram, luego hacer un posteo para publicarlo también acá.... Cada tarea puede parecer bastante insignificante, pero cuando se van sumando me doy cuenta de que llevan muchísimo tiempo, y mientras tanto, la vida sigue, con todas sus otras actividades. 

En fin, que no vine a quejarme, ni mucho menos, sino a avisarles que estoy subiendo diariamente un Calendario de Adviento de obras de arte a mi canal de YouTube. Son videos cortos, de encuentros que hice el año pasado por Zoom, muy pocas veces duran más de diez minutos, y están buenísimos para verlos en la espera del transporte público, en una breve pausa del trabajo, o incluso en la cola del supermercado. 

Si quieren sumarse, bienvenidos a mirar, bienvenidos a pasarlo bien!

 

Agonía y éxtasis de Carlo Gesualdo

 

Una ex alumna me mandó un mensaje en el que me recordó que hace unos 25 años le recomendé leer La Agonía y el Éxtasis, la (hermosa) biografía de Miguel Ángel, novelada por Irving Stone. 

Leí ese libro cuando tenía quince años, y para mí fue muy impactante y revelador (hoy seguramente me parecería mucho menos interesante, pero en aquel momento fue un mazazo de belleza, de descubrimientos, de ideas y de planteos. El libro me sacudió, y mi ex alumna me contó que a ella le pasó lo mismo. En medio de la charla, busqué mi ejemplar y estuve santando entre párrafos desordenados, hasta que se me ocurrió hacer con eso un episodio de podcast: seleccionar los textos en los que habla de las disecciones ilegales que hizo Miguel Angel en la morgue, y alternarlos con madrigales de Carlo Gesualdo.

Vida y muerte, dolor y placer, todo junto en los textos y en la música. Aquí les dejo el enlace al episodio. Buena escucha!

Una charla desde el sur: entrevista en el podcast chileno Al Modo Antiguo

Hace unos días tuve el gusto de conversar con Enrique Vasconcelos en su programa Al Modo Antiguo, un podcast chileno dedicado a la música antigua. Fue una charla larga, de esas que transcurren sin que uno se llegue a dar cuenta, en la que recorrimos muchos temas que me apasionan: la música colonial hispanoamericana, el trabajo de estudio o investigación, las decisiones interpretativas, las maneras en que intento acercar este repertorio al público actual.

Enrique me recibió con una generosidad inmensa. Me presentó como un referente —palabra que me da un poco de verguenza—, pero que agradezco si sirve para seguir tendiendo puentes entre esta música y quienes quieren conocerla.

Durante el episodio suenan algunas obras que grabé con dos ensambles muy queridos: Capilla del Sol y De Profundis. Esas músicas —hechas con cuidado, respeto, pero también con libertad— son parte de un trabajo colectivo que busca devolverle voz a repertorios que, durante siglos, fueron silenciados u olvidados.

Podés escuchar la entrevista completa clickeando aquí

Ojalá quieran acercarse a escuchar, y a compartir pasiones en torno a esas músicas que tanto nos enseñan sobre nuestro pasado… y nuestro presente.

El siglo XVI: cuando la música no pedía aplauso

¿Quién era el público cuando no había conciertos? ¿Quién escuchaba cuando Mudarra tocaba en voz baja, o cuando Josquin tejía polifonías entre las columnas de una iglesia?

En el siglo XVI no había butacas, ni escenarios, ni programas impresos, y la música estaba ahí: en la misa, en el salón, en la espera. Se escuchaba con el cuerpo quieto, o se dejaba pasar como el incienso o el viento. Y sin embargo, alguien oía, siempre.

El nuevo episodio de mi podcast es el primero de una serie, la Trilogía del Público. Esta vez converso con Eduardo Sohns sobre el público en el Renacimiento. Hay muchísimos datos buenísimos para disfrutar de este episodio. Bienvenidos a la escucha!

Corselli, 40 años de soundtrack real

 

Hay nuevo episodio de mi podcast!, y esta vez es sobre Francesco Corselli (¿lo conocían???)

Durante cuarenta años, Francesco Corselli fue el responsable de la música sacra en la Capilla Real de Madrid. Su nombre no figura entre los más celebrados del barroco, y sin embargo, su obra está profundamente entretejida con la historia sonora de la corte española del siglo XVIII. En este episodio me detengo en su figura, en su constancia, en ese oficio silencioso que mantuvo con una elegancia casi secreta.

Corselli nació en Italia, con la ópera en las venas. Llegó a Madrid con una sensibilidad marcada por la tradición lírica de su país, pero supo adaptarla al ritmo de la liturgia, al peso del incienso y al lenguaje político del sonido ceremonial. No fue un compositor de gestos espectaculares, pero su música tiene una delicadeza que perdura, un equilibrio que merece ser escuchado con atención.

Me interesaba hablar de él no solo por su música, sino por lo que representa: un modo de estar en la corte sin buscar protagonismo, de sostener una vida entera entre partituras, encargos y silencio. Su obra no se impone, pero deja huella. Y en tiempos tan ruidosos como los nuestros, eso tiene un valor inmenso.

Más monjas rompiendo moldes! Isabella Leonarda en mi podcast

En el nuevo episodio de mi podcast, les traigo la historia de una mujer increíble: Isabella Leonarda. Nacida en Novara en 1620, fue una compositora que rompió con las convenciones de su época. Aunque vivió en un convento y dedicó su vida a la fe, su música fue mucho más que un acto de devoción. Isabella dejó un legado musical impresionante que, por siglos, estuvo en el olvido.

Con más de 200 obras a su nombre, entre las que se encuentran motetes, misas, sonatas y salmos, Isabella fue una de las compositoras más prolíficas del Barroco. En este episodio, cuento cómo, a pesar de las limitaciones impuestas por su ser mujer y su entorno, logró destacarse y ser reconocida en su tiempo. Sus sonatas fueron de las primeras publicadas por una mujer, y hoy sigue siendo admirada por su maestría y la emoción que transmite su música.

Lo más fascinante de su historia es que, a pesar de su éxito en vida, su obra cayó en el olvido. No fue hasta el siglo XX que su música volvió a escucharse y admirarse, tras un inmenso e injusto silencio. 

No se pierdan  este nuevo episodio de mi podcast, la música de Isabella Leonarda es increíble, y está buenísimo conocer algo más de su vida y de su tiempo.

Mirar el mar, escuchar el mar, pensar el mar.

El mar nunca fue tan musical como en el Barroco. En este episodio de Disfrutar MÁS de la Música Antigua se desata la tempestad para para revelar cómo los grandes compositores transformaron el oleaje en emociones puras (¿o las emociones en oleaje?). Desde las olas furiosas que amenazan la fe en la cantata 81 de Bach hasta los dramáticos naufragios amorosos de las óperas de Vivaldi. Descubriremos cómo el mar se convirtió en la metáfora perfecta del alma humana - ese territorio salvaje de pasiones, miedos y anhelos - a través de arias que son auténticos cuadros sonoros donde el viento sopla en los violines y las olas rompen en la cara del público.

Pero hay más: esta idea musical tiene raíces clásicas en los textos de Horacio, continúa en las alegorías religiosas de San Agustín y llega incluso a sorprendentes obras de arte colonial que mostraban a la Iglesia como una nave divina.

¿Cómo lograron los compositores pintar tormentas con notas musicales? ¿Por qué el mar fascinó tanto al Barroco? Bienvenidos a escuchar, y a pensar.

#ATP, al Rincón!

El próximo sábado 12 de abril a las 20:30 presentaré mi concierto #ATP en el Salón Parroquial de Villa General Belgrano, como parte del Ciclo de Conciertos El Rincón. Este proyecto nace de una pregunta incómoda: ¿por qué un instrumento con siglos de historia como la flauta dulce sigue siendo visto como un simple recurso escolar?

En este concierto me propongo desafiar esos prejuicios. A través de un recorrido que va desde piezas medievales hasta obras del siglo XX, quiero mostrar cómo este instrumento, tan familiar como subestimado, puede transmitir la misma profundidad y complejidad que cualquier otro.

Para mí, interpretar la flauta dulce siempre ha sido un acto de resistencia. Resistencia contra la sonrisa condescendiente de quien la llama "instrumento para niños", contra el escepticismo de quienes dudan que merezca un escenario profesional. Este concierto es mi manera de reivindicar su lugar en la historia de la música, desde su esplendor en las cortes renacentistas hasta su presencia en la música contemporánea.

Pero más allá del aspecto técnico o histórico, "#ATP" es una invitación. Una invitación a cuestionar por qué aceptamos ciertas jerarquías en el arte, por qué damos por sentado que lo sencillo no puede ser profundo.

Los espero el sábado 12 para compartir esta experiencia sonora.

Toda la información sobre el programa y el contexto del concierto está disponible en: https://sites.google.com/view/ramiroalbinoatp/inicio.

Es hora de escuchar con nuevos oídos.

Escuchar y ver el barroco francés

Estoy haciendo un ciclo de clases sobre música y pintura del Barroco, porque creo que las experiencias de escuchar y de ver, se complementan todo el tiempo, pero especialmente en el arte de esa época.


El ciclo se llama “Escuchar con los ojos al barroco” y este jueves llega a su sexta clase con un enfoque en dos pilares del Barroco francés: el arquitecto Louis Le Vau y el compositor Jean-Baptiste Lully. La sesión promete un recorrido fascinante por la arquitectura y la música que definieron una época, explorando cómo estas dos figuras dejaron una huella imborrable en la cultura europea.


Le Vau: El Arquitecto que Transformó el Paisaje Francés

Louis Le Vau, conocido por su papel clave en la construcción del Palacio de Versalles, fue uno de los arquitectos más influyentes del siglo XVII. Su estilo, caracterizado por la elegancia y la grandiosidad, no solo reflejó el poder de la monarquía francesa, sino que también estableció los cánones estéticos del Barroco en la arquitectura.

Lully: El Compositor que Dio Ritmo al Barroco

Por su parte, Jean-Baptiste Lully, el músico favorito de Luis XIV, revolucionó la música de su tiempo. Considerado el padre de la ópera francesa, Lully fusionó drama, danza y melodía en composiciones que capturaron el espíritu de la corte francesa. Su influencia se extendió más allá de su época, y su legado sigue siendo un referente en la historia de la música.

Una Clase para Conectar Arte y Música

La sesión no solo se centrará en las obras individuales de Le Vau y Lully, sino que también explorará cómo su arte dialogó entre sí. ¿Cómo influyó la arquitectura de Le Vau en la música de Lully? ¿De qué manera ambos artistas reflejaron los ideales de la corte de Luis XIV? Estas son algunas de las preguntas que se abordarán, ofreciendo una visión integral del Barroco francés.

-----

La clase se llevará a cabo a través de Zoom, para quienes deseen participar en vivo, y para aquellos que prefieran verla en otro momento, la grabación estará disponible on line.

¿Nos encontramos ahí? Para inscribirte, hacé click aquí. 

Mirá de quién te burlaste, Lully!

 

Hola a todos! Hay nuevo episodio del podcast!!!!

En este nuevo episodio de Disfrutar MÁS de la Música Antigua, titulado "Más Charpentier. Mirá de quién te burlaste", nos adentramos en la fascinante vida y obra de Marc-Antoine Charpentier, uno de los compositores más talentosos del siglo XVII, focalizándonos en sus obras profanas.

A partir de 1672, tras la ruptura entre Molière y Lully, Charpentier fue convocado para componer la música de las célebres comédies-ballets de Molière, como La condesa d’Escarbagnas, El enfermo imaginario y Psyche. Sin embargo, la muerte de Molière durante una representación de El enfermo imaginario marcó un punto de inflexión en su carrera, especialmente por las disputas con Lully, quien lo mantuvo alejado de los grandes escenarios parisinos durante años.

A pesar de estas dificultades, Charpentier continuó creando obras maestras, como Les Arts Florissants, una pieza que compuso para la Duquesa de Guisa, prima de Luis XIV. Esta obra, descrita por el propio Charpentier como un "idilio en la música", refleja su habilidad para combinar lo lírico con lo dramático. Además, exploramos Actéon, una obra que, aunque catalogada como pastoral, tiene un final trágico y un profundo contenido psicológico. Charpentier demuestra en esta pieza su dominio de la ópera de cámara, con una instrumentación minimalista pero sumamente expresiva.

A lo largo del episodio, descubrimos cómo Charpentier, a pesar de no haber gozado del favor constante de la corte de Luis XIV, logró consolidarse como un compositor versátil y profundamente innovador. Su música, que fusionaba elementos del estilo italiano y francés, fue tanto admirada como criticada en su época, pero hoy reconocemos en ella la obra de un genio que supo trascender las limitaciones de su tiempo.

Los invito a escuchar este episodio para disfrutar y conocer más sobre la vida y la música de Charpentier, un artista que, aunque no siempre recibió el reconocimiento que merecía, dejó un legado que sigue resonando con fuerza en la historia de la música.

10 minutos de belleza, para estar mejor

A partir del próximo lunes tendremos nuevos “Recreos”, y esta vez celebro una edición muy especial: la semana número 75 de esta iniciativa que me llena de alegría. Si quieren saber más sobre la iniciativa, o si quieren ver un ejemplo de lo que hacemos, en el video que posteo en esta entrada tienen todos los datos.

Desde el lunes 24 hasta el viernes 28 de febrero, tendremos una nueva oportunidad para disfrutar de momentos únicos, llenos de arte y belleza, en un espacio abierto y gratuito para todos. ¿Nos vemos ahí?

Para quienes ya han participado en ediciones anteriores, la dinámica sigue siendo la misma: un espacio breve pero intenso para desconectar de lo cotidiano, de las preocupaciones, de la política (un tema que en Argentina siempre está presente), de los resabios de la pandemia y de los problemas familiares. Los Recreos son una burbujita de paz, un respiro que me permite llenarme de ideas nuevas y disfrutar del arte en su máxima expresión. Para los que se suman por primera vez, les recomiendo leer esta breve introducción que comparto para entender mejor de qué se trata esta actividad.

Los Recreos son completamente gratuitos y se llevan a cabo a través de la plataforma Zoom. Cada encuentro dura apenas diez minutos, pero su impacto puede ser mucho más profundo. La cita es a las 9:00 de la mañana, hora de Argentina (GMT -3), y quienes no puedan asistir en vivo tendrán la opción de ver la grabación durante las 24 horas posteriores al encuentro. 

La actividad está abierta a todo el mundo, sin requisitos previos. No es necesario haber participado en ediciones anteriores, ya que no se trata de un curso ni hay correlatividades. Simplemente es un espacio para encontrarnos, disfrutar del arte y compartir un momento de calma en medio del caos diario. Si ya participaste y te gusta este proyecto, te invito a compartirlo con amigos o conocidos que puedan estar interesados. El objetivo es simple: ayudarnos mutuamente a pasar un rato agradable y olvidarnos, aunque sea por unos minutos, de los problemas que nos rodean.

🎤 Además, el viernes 28 de febrero habrá un momento especial: micrófono abierto. Quienes asistan en vivo podrán plantear ideas, hacer preguntas o simplemente compartir sus impresiones. Es un espacio de intercambio que siempre resulta enriquecedor, así que, si pueden, no se lo pierdan.

Para participar, solo hay que llenar el formulario de inscripción, al que se accede haciendo click aquí. 

Laws & Order

 

Mi podcast Disfrutar Más de la Música Antigua ya va por su episodio número 55 (puede parecer poco, pero para mí es una enormidad, hay muchísimas horas de trabajo volcadas a este espacio!), y el último episodio que subí está dedicado a la figura de William Lawes.

Nacido en 1602, William Lawes fue un músico brillante cuyo talento floreció durante el reinado de Carlos I de Inglaterra. Miembro de la corte real, Lawes no solo compuso música para deleitar a la nobleza, sino que también vivió en una época convulsa, marcada por la Guerra Civil Inglesa. Su música, llena de innovación y expresividad, refleja tanto la elegancia de la corte como los turbulentos tiempos que le tocó vivir.  

En este episodio, me asomo tímidamente a los misterios de su obra, desde sus consorts para violas hasta su música vocal. Los invito a escucharlo!. Hagan click en el enlace de YouTube que está en esta entrada de blog, o busquen el episodio en Spotify. 

Ya me contarán!

El díalogo del arte con su tiempo (y con el nuestro)

 

El arte es siempre un reflejo de lo que piensa, cree y sufre la humanidad, reflejando sus cambios, inquietudes y logros. Hace décadas que reflexiono sobre eso, y me encanta encontrar relaciones, caminos de idas y vueltas, maneras de ver cómo se complementan y dialogan las diferentes manifestaciones artísticas de cada momento. Hasta que me puse a sistematizar ideas durante el hastío de la pandemia, y eso devino en un curso, que ya dicté más de diez veces: ARTES COMPARADAS, DE LA EDAD MEDIA AL BARROCO. 

En este curso te invito a sumergirte en tres épocas clave: la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco, para comprender cómo las obras artísticas se relacionan con su tiempo y entre sí. Durante las clases, aprenderás a interpretar pinturas, músicas, textos y ciudades desde una perspectiva única.

Exploraremos temas universales como el amor, la muerte y lo divino, y descubriremos cómo se transformaron durante estos tres períodos clave. Además, te sorprenderás al descubrir cómo conectar a tus artistas favoritos con pintores, escultores, músicos, escritores y arquitectos de su época.

Las clases son virtuales, en grupos pequeños, con la posibilidad de participar en vivo por Zoom o acceder a las grabaciones durante una semana, y si te inscribís antes del 15 de diciembre, ¡aprovechás un descuento exclusivo!

Este curso no es solo un aprendizaje, es una experiencia para transformar tu forma de mirar y disfrutar el arte. ¿Te sumás?. 

Encontrarás toda la información sobre el curso en su sitio web, al que se accede haciendo click aquí. 

Otro Calendario de Adviento

Tal como vengo haciéndolo desde 2021, este mes de diciembre los invito a disfrutar de un momento especial cada día en mi Calendario de Adviento de Obras de Arte. Desde el 1 al 24 de diciembre, nos reuniremos para explorar la belleza y la profundidad del arte navideño en encuentros breves y significativos.  

Cada encuentro dura 10 minutos y se realizará todos los días a las 9:00 (hora Argentina, GMT -3), a través de Zoom. Si no pueden asistir en vivo, no se preocupen: las grabaciones estarán disponibles por 24 horas.  

Veremos una obra de arte diferente cada día, todas relacionadas con la Navidad. Este espacio está pensado para desconectarnos por un rato de la rutina y dejarnos sorprender por las manifestaciones artísticas de esta época tan especial.  

La actividad es gratuita y abierta a todos, sin necesidad de conocimientos previos. No importa si pueden sumarte todos los días o solo algunos, ya que no hay correlatividad entre los encuentros.  

Para participar, solo tienen que inscribirse haciendo clic aquí. Los espero para compartir esta experiencia única y hacer que este diciembre sea inolvidable, lleno de arte, reflexión y belleza.